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En Imágenes: La exposición de Hubert de Givenchy

El Museo de Encaje y Moda de Calais, Francia, ha abierto una retrospectiva sobre Hubert de Givenchy, curada por el mismo diseñador de moda de 90 años. La exposición contará con looks y siluetas legendarias usadas por Audrey Hepburn, la ex Primera Dama Jackie Kennedy y la Duquesa de Windsor, Wallis Simpson.

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La exposición forma parte del programa cultural 2017 del museo y cuenta con ochenta trajes y accesorios procedentes de coleccionistas privados, los archivos de la Casa de Givenchy y colecciones de museos, así como piezas Givenchy realizadas por el Museo de Moda.

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Todo en la exposición, que estará disponible para ver el 31 de diciembre, ha sido escogido y comisariado por el propio Givenchy, para mostrar toda la carrera del couturier y los "encuentros" que marcaron su vida y plasmaron sus diseños.

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Hay una parte de la exposición dedicada especialmente a las protagonistas principales que llevaron sus colecciones, incluyendo la actriz Audrey Hepburn, con una serie de vitrinas dedicadas a ella, mostrando los vestidos usados por la estrella en dos de sus papeles más grandes: ‘Breakfast at Tiffany’s y How to Steal a Million.

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Museo de Encaje y Moda inaugura la exposición Givenchy

También hay vestidos usados por sus otras famosas clientas en exhibición, incluyendo el vestido bordado de Jackie Kennedy y el abrigo de ópera usados para la primera visita presidencial de su marido a Francia y el traje de la Duquesa de Windsor usado para el funeral de su marido, así como las piezas usadas por la condesa Isabel de Bor, la Duquesa de Cadaval, y la Marquesa de Llanzol.

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Hablando en la apertura con The Guardian, el diseñador elogió a sus clientes, dijo: "Eran mis amigas. El vestido perfecto puede hacer que muchas cosas sucedan en la vida de una mujer. Puede traer felicidad. Es tan agradable dar la felicidad a tus amigos. "

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Otras piezas claves incluyen la blusa "Bettina" de su primera colección en febrero de 1952, con mangas puff y broderie anglaise, varios vestidos de baile con bordados de encaje, vestido y chaqueta de satén rojo y un traje de pantalón bordado.

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Los atuendos se exhiben junto a muestras de textiles de alta costura, el archivo de fragancias Givenchy, y fotografías, para dar una idea de la carrera de Givenchy y sus inspiraciones.

En Imágenes: La exposición de Hubert de Givenchy

El Museo del Encaje y de Moda se encuentra dentro de una fábrica de encajes del siglo XIX y exhibe couturiers y renombrados jóvenes diseñadores como Cristóbal Balenciaga, Anne Valérie Hash, Iris Van Herpen y On Aura Tout Vu dentro de sus galerías contemporáneas dedicadas al diseño en textiles y moda .

En Imágenes: La exposición de Hubert de Givenchy

La exposición Hubert de Givenchy se desarrolla en el Museo de Encaje y Moda de Calais hasta el 31 de diciembre de 2017.

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Imágenes: Cortesía por el Museo de Encaje y Moda.

Traducido y editado por Gabriela Maldonado

YSL : próxima apertura de dos museos en su memoria

Homenaje a los que hacen Historia como fue el caso de Yves Saint-Laurent. Grandes historias en el capítulo de la Moda y del Arte, o pequeñas historias como el recuerdo de un breve encuentro en París en el 2001, cuando aún era estudiante. Había tenido las palabras y la amabilidad que sólo los seres extraordinarios podían tener.

Ya han pasado quince años desde el último desfile de Yves Saint-Laurent en el Centro Pompidou y el cierre de la casa de alta costura que llevaba su nombre. En estos últimos quince años, el recuerdo del costurero ha sido conservado y mantenido gracias a las actividades de la Fundación Pierre Bergé-Yves Saint Laurent.

Para salvar su patrimonio y promover su obra, dos museos le han sido dedicados en dos ciudades importantes para él. El primero abrirá el 3 de octubre en París y el segundo el 19 de octubre en Marrakech. Una presentación de sus proyectos tuvo lugar ayer en el Instituto Francés de la Moda (IFM).

YSL : próxima apertura de dos museos en su memoria

París y Marrakech, sus dos ciudades de inspiración

« Cuando Yves Saint Laurent descubrió por primera vez Marrakech en 1966, estaba tan emocionado por la ciudad que decidió comprar inmediatamente una casa para poder volver regularmente. Es muy natural después de 50 años, construir un museo dedicado a su obra, inspirada en este país. En París, no hace falta explicar que es allí donde Yves Saint Laurent ha creado todo su trabajo y a construido su carrera”, decía Pierre Bergé, la pareja y confidente del costurero.

YSL : próxima apertura de dos museos en su memoria

El Museo Yves Saint Laurent París abrirá sus puertas en el número 5 de la avenida Marceau, en el hotel particular donde la casa de moda se había instalado desde hace más de 30 años y acogió la Fundación Pierre Bergé-Yves Saint Laurent desde el 2004. El museo, que dispondrá de una superficie de exposición de 450 metros cuadrados, alternará espectáculos retrospectivos y exposiciones temáticas temporales. Más que un simple museo monográfico, la institución contará la historia de un periodo donde la alta costura formaba parte de un modo de vida que hoy ya no existe.

«La audacia observada en mi trabajo, se la debo a Marruecos»

Situado en la calle Yves Saint Laurent cerca del Jardín Majorelle, el Museo Yves Saint Laurent Marrakech ha sido concebido como un centro cultural. Con más de 4.000 metros cuadrados, el establecimiento incluye un espacio de exposición permanente, una galería de exposición temporal, una biblioteca, un auditórium, una librería y un café.

YSL : próxima apertura de dos museos en su memoria

« En Marruecos, me he dado cuenta que la gama de colores que utilizaba era la de los azulejos, los zouacs (madera pintada), djellabas y caftanes. La audacia observada en mi trabajo, la debo a este país, a sus armonías energéticas, a sus combinaciones audaces, al fervor de su creatividad. Esta cultura se ha vuelta mía, no solo la he absorbido, la he cogido, transformado y adaptado”, puntualizaba el maestro.

Desde hace más de 40 años, Yves Saint Laurent ha creado continuamente un estilo que era realmente el suyo. Sus prendas pertenecían a la historia del siglo 20, acompañando la emancipación de las mujeres en todos los dominios de la vida. El abrigo con topos, el esmoquin, el pantalón y la chaqueta forman parte del armario de cada mujer.

YSL : próxima apertura de dos museos en su memoria

« Yves Saint Laurent es también el último de los grandes costureros, nostálgico de un periodo marcado por el esplendor de la alta costura. Sus lujosos vestidos de noche muestran también su homenaje a la pintura, a la literatura, al teatro y a la moda. La apertura de estos dos museos dedicados a su trabajo dará una importancia particular a Yves Saint Laurent como uno de los grandes artistas de su época”, indica la Fundación Pierre Bergé-YSL.

“Siempre dije que los recuerdos debían ser transformados en proyectos y es lo que hicimos con esta Fundación. 2017 marca un nuevo capítulo con la apertura de estos dos museos. Así, la aventura que empezamos hace tanto tiempo atrás, cuando no sabíamos lo que nos reservaba el destino, sigue adelante”, comentó Bergé.

Fotos : cortesía de la Fundación Pierre Bergé-Yves Saint Laurent

“Terrific Fashion”, la historia detrás del libro

El libro, editado por 24 ORE Cultura muestra lo más sorprendente y vanguardista de la moda contemporánea. En la publicación la periodista y editora de moda y diseño Cristina Morozzi presenta una selección de fotografías con modelos de Alexander McQueen, Givenchy, Moschino y Dries Van Noten entre otros.

Durante una charla con FashionUnited, Morozzi contó cómo nació este libro que resultó tan exitoso por mostrar un enfoque diferente de la moda.

La primera idea sobre mostrar objetos extravagantes surgió mientras Morozzi trabajaba para la publicación “L´eurpeo”. El editor en Jefe le pidió que escribiera para una nueva sección a la que llamaron “Follie” y dónde la idea era publicar imágenes de objetos de diseño poco convencionales. Tiempo después empezó a trabajar para “Milano Finanza” donde tenía a cargo mostrar cosas alejadas de lo estándar, a doble página. “Por ese entonces, tenía curiosidad por descubrir cosas que fueran más allá de lo común y durante años me encargue de recolectar fotos sobre objetos raros”, comentó Morozzi.

24 ORE Cultura la convocó para editar sus libros y fue consultada para que hiciera sugerencias. “Recordé la gran cantidad de fotos sobre objetos que había recolectado en los últimos años. Así que les llevé un disco con mil fotos y quedaron impresionados”, contó. Así nació la idea del libro “Terrific Design”. Cuando se publicó, tuvo tanto éxito que le pidieron que hiciera la versión de moda con “Terrific Fashion”. “Eso me asustó un poco porque no tenía material y sólo seis meses para armar el libro, pero resultó ser un trabajo muy entretenido y a la gente le gustó mucho porque era algo diferente”, recordó.

Foto: www.museomaga.it

La Bauhaus, el « arte desestructurado » que sigue gustando a la moda

Una fusión entre las bellas artes y las artes aplicadas. Eso podría ser la vocación de la escuela de la Bauhaus –cuyos términos etimológicos Bauen, en alemán, significa “construir” y Haus “casa”-siguen inspirando a los artistas, grafistas, plásticos y diseñadores de moda.

Hace unos meses, el Museo de las Artes Decorativas de París, exponía en la calle de Rivoli “L’Esprit du Bauhaus” (el Espíritu Bauhaus) a través de más de 900 obras, objetos, muebles, dibujos, textiles y creaciones de moda. Con solo 14 años de existencia (del 1919 a 1933), la Bauhaus no ha dejado de reproducirse.

La Herencia de la Bauhaus

Los muebles, como la famosa silla de Wassily, se impregnaban de códigos vanguardistas de la época, del expresionismo al arte popular. Los objetos, como la lámpara Wagenfeld concebida por Wilhelm Wagenfeld o la tetera de plata de Marianne Brandt, juntaban técnica y estética con la meta de construir un mejor entorno cotidiano para el ser humano.

Las pinturas de Paul Klee y Vassily Kandinsky defendían un “arte clásico moderno”, colorido y total, evocando el “constructivismo”. Para Olivier Gabet, director del museo parisino y comisariado de la exposición “L’Esprit du Bauhaus”, “la idea de Walter Gropius –el fundador de la escuela alemana de la Bauhaus-era que las prácticas artísticas se mezclen”.

« No confundir arte y gusto »

El historiador de arte francés, Eric de Chassey, originario de Tours, ha publicado recientemente un largo estudio sobre el arte abstracto y su influencia en el diseño contemporáneo. En su libro, el autor parece querer aclarar este “arte abstracto desordenado”, regido por los artistas cubistas del Dadaísmo y de la Bauhaus y ofrece reflexiones para evitar confundir arte y gusto.

Experimentación de la forma y de los colores

La Bauhaus, el « arte desestructurado » que sigue gustando a la moda

En la moda, numerosas marcas han utilizado la Bauhaus con sus líneas depuradas y funcionales, sus cortes geométricos y sus bloques de colores. Entre ellas se encuentran Jil Sander, Ralph Lauren, Hermès, Robert Clergerie, Sportmax, Michael Kors, Issey Miyake, Chanel, Longchamps, Marni, Essentiel, Paule Ka, Fendi o Pierre Hardy.

Y aunque todavía quedan piezas (objetos y otros) de la época, la productividad era limitada por culpa de la corta vida de la escuela “literalmente destruida por la Gestapo en 1932”, indicó Gabet al periódico belga La Libre. Los diseñadores de moda siempre han sido fieles seguidores de la Bauhaus, experimentando sus formas y colores en sus colecciones.

Rick Owens, Otoño/Invierno 2017-18

La Bauhaus, el « arte desestructurado » que sigue gustando a la moda

Rick Owens ha presentado en París su última colección Otoño/Invierno 2017-18: verdadera oda a la arquitectura y a la experimentación de la Bauhaus alemana. Pantalones largos y flotantes, largos plumíferos de colores, acolchados extras puestos en la parte alta del busto y unos looks muy desestructurados cogen una nueva dimensión.

La Bauhaus, el « arte desestructurado » que sigue gustando a la moda

La puesta en escena del desfile recuerda al teatro. Como lo había dirigido en la escuela en la época Oskar Schlemmer. Los cuerpos femeninos están cubiertos por piezas que parecen protegerles. ¿De qué? Del frio y de todas las amenazas mecanicistas del siglo XXI.

https://vimeo.com/206572616

Louis Vuitton también coge elementos bauhausianos en su colección Primavera/Verano 2017, con una camiseta de espíritu Bauhaus dibujada por Stuart Tyson y con un precio de 385 euros.

La Bauhaus, el « arte desestructurado » que sigue gustando a la moda

Üterque elige un diseño Mid-Century y Bauhaus

Otro ejemplo reciente de la Bauhaus en la moda, la cadena de ropa y accesorios üterque ha adoptado el estilo en una de sus tiendas. La firma del grupo Inditex ha abierto a finales de abril un flagship store en Barcelona en el emblemático Paseo de Gracià.

La Bauhaus, el « arte desestructurado » que sigue gustando a la moda

La decoración interior se basa en el movimiento americano Mid-Century, que surgió en los años 50 e incorpora referencias de la Bauhaus. El ambiente es minimalista de color blanco, paredes y techos suspendidos para aligerar la tienda. El escultor peruano, Aldo Chaparro, ha participado en la decoración con la transformación de materiales prefabricados, como en el tiempo de la Bauhaus. Y para no perder sus raíces españolas, Üterque eligió una iluminación eco-eficiente que recrea la luz del Mediterráneo.

Fotos : Lámpara de Wagenfeld (pinterest), Desfile de Issey Miyake 1995, Desfile de Rick Owens FW 2017/18, T-shirt Vuitton (sitio web Louis Vuitton), Üterque (cortesía Inditex).

El Met de NY celebra la moda conceptual de "Comme des Garçons"

Protuberancias, armaduras, asimetría: la moda revolucionaria y conceptual de la japonesa Rei Kawakubo, fundadora de "Comme des Garçons", se exhibe en el Museo Metropolitano de Nueva York, que rinde homenaje a su casi medio siglo de trabajo.

Al reunir cerca de 140 piezas para su exposición "Art of the In-Between" (El arte de lo intermedio), el Met busca dar una idea de este universo único sobre el cual Kawakubo dijo un día: "para que algo sea bello, no es necesario que sea lindo". Desde 1969, esta mujer grácil de cerquillo severo rechaza "los valores establecidos, las convenciones y lo que es generalmente aceptado como la norma", según las notas de la exposición del Met.

El Met de NY celebra la moda conceptual de "Comme des Garçons"

El mundo de "Comme des Garçons" es el de la asimetría, del desequilibrio, de la omnipresencia de la forma, donde la vestimenta acapara toda la mirada. Armaduras, trenzas, flecos, moños, nudos, bucles, paños, pliegues; Rei Kawakubo utiliza múltiples recursos para transformar la apariencia de la mujer, a veces alejándose mucho de los cánones de la moda. Para Thomas Campbell, el director del Met, "sus creaciones se asemejan muchas veces a esculturas".

Mujer de pocas palabras, casi inaccesible a la prensa, la modista de 74 años no se expresa casi nunca en público y se niega a analizar sus creaciones, reivindicando "la ausencia de intención". Presente el lunes en el preestreno de la exposición que se abre al público este jueves y culmina el 4 de septiembre, prefirió no hablar con los periodistas.

El Met de NY celebra la moda conceptual de "Comme des Garçons"

Espíritu punk

Bajo el liderazgo del conservador Andrew Bolton, el Costume Institute, espacio de moda del Met, eligió no obstante esta línea directriz del intermedio, que corresponde a la voluntad de Kawakubo de encontrar un espacio entre las definiciones, alejado de las convenciones, para escaparse.

"Vestimentas/No vestimentas", "Abstracción/Representación", "Vida/Pérdida" son algunos de los títulos de las nueve secciones articuladas en torno al tema del intermedio. Para ilustrar el intermedio "Diseño/No diseño", el curador retuvo por ejemplo una combinación de formas reforzadas que podría recordar a un luchador de sumo, en un material que aparenta ser un papel marrón de bricolaje. Para "Ausencias/Presencias", son vestidos rojos que parecen fajar un cuerpo irreconocible, cuyas excrecencias producen un perturbador efecto de deformidad.

El Met de NY celebra la moda conceptual de "Comme des Garçons"

Rei Kawakubo confunde las pistas, borra los puntos de referencia hasta proponer otra realidad, una visión alternativa que se aleja de aquella, objetiva, del cuerpo de la mujer. "Temporada tras temporada, colección tras colección, Kawakubo cambia nuestra mirada actualizando la noción de belleza", estimó Andrew Bolton en la presentación de la exposición. Su primer desfile en París, en 1981, contrapié radical al glamur tan presente en la época, tuvo una acogida muy crítica.

En una entrevista con la revista "System", Kawakubo dijo adorar "el espíritu punk" porque "está a contracorriente", y la diseñadora consideró entonces que la palabra nacida en los años 70 podía aplicarse a todas sus colecciones. Para que la atención se dirija únicamente a las vestimentas, el Met eligió una decoración toda en blanco, con paredes redondeadas que a veces esconden, a veces revelan. Otra originalidad: algunas piezas fueron colocadas en altura, y solo pueden observarse levantando la cabeza.

En más de 70 años de vida, el Costume Institute solo consagró otra vez una exposición a un diseñador en vida: Yves Saint-Laurent en 1983. "Para mí, no había ninguna duda de que la moda de Rei tenía su lugar en un museo de arte", explicó Bolton. La obra de Kawakubo "torna superfluo el debate sobre la separación entre el arte y la moda", concluyó. (AFP)

Fotos: FashionUnited

La moda sacada de los libros: Las más grandes musas de la literatura clásica

Para cualquiera que pueda argumentar que la moda es trivial o espumosa, su peso en la literatura no puede ser subestimado. Acabo de asistir al Festival Literario Franco-Irlandés, donde periodistas de Vogue y Elle discutieron con novelistas y guionistas la importancia de la ropa en la narración. La ropa realza la caracterización, nos pone en los zapatos de los extranjeros, permite que habitemos paisajes extranjeros. Hablando a su poder, Mark Twain dijo: "La ropa hace al hombre, las personas desnudas tienen poca o ninguna influencia en la sociedad." En esta lectura vamos a contar los siete momentos más influyentes en que la ficción y la moda se han colisionado juntas.

7. Giacomo Leopardi

En el poema de Giacomo Leopardi titulado "El diálogo entre la moda y la muerte", explora la transición de la moda y la compara con nuestra propia mortalidad: "Moda: ¿No me reconoces? Muerte: Debes saber que tengo mala vista, y estoy sin gafas. "Moda: Soy Moda, tu hermana ... ¿No recuerdas que ambos nacimos de Decay? Ambos ganamos igualmente por el cambio incesante y la destrucción de las cosas aquí abajo, aunque lo hagas de una manera, y yo en otra.”

La moda es retratada como un factor sombrío ayudando y ayudando a nuestra desaparición, y aunque escrito en 1824, el sentimiento es extrañamente aplicable tanto al medio ambiente de moda de hoy en día en el que ocurren catástrofes como el Rana Plaza y nuestra industria de lujo en la que los diseñadores como Alexander McQueen, cuyo trabajo se celebra por su danza oscura y hermosa con la muerte, sucumbe al suicidio a los 40 años.

La moda sacada de los libros: Las más grandes musas de la literatura clásica

Imagen: Orlando First Edition, The Hogarth Press 1928 Fuente: www.smith.edu/libraries, y Burberry, septiembre de 2016

6. Virginia Woolf

"La ropa tiene oficios y usos más importantes que simplemente para mantenernos calientes; Ellos cambian nuestra visión del mundo y la visión del mundo de nosotros ", escribió Virginia Woolf en Orlando, la historia de 1928 de un noble que pasa a través del tiempo, se mueve sin esfuerzo entre géneros, vestida con pieles y cordones, sin nunca envejecer. La versión cinematográfica de 1992 invitó al andrógino favorito de la moda, Tilda Swinton, a ocupar el papel principal y al genio de Quentin Crisp para interpretar a la Reina Isabel I. La novela de Woolf fue un éxito contemporáneo a pesar del tema inusual para una escritora pero su apelación permanece preparando el escenario para el inconformismo de género de hoy. De Bloomsbury a Burberry, Christopher Bailey hizo referencia a Orlando en su show femenino de septiembre de 2016.

La moda sacada de los libros: Las más grandes musas de la literatura clásica

Imagen: Fuente Wikimedia Biblioteca del Congreso, Fotógrafo, Napoleón Sarony, 1882

5. Oscar Wilde

Oscar Wilde, un favorito perenne de los diseñadores de moda, fue la influencia central en la colección de ropa para hombre de otoño de 2017 de Alexander McQueen. Las palabras de Wilde, "La moda es una forma de fealdad tan intolerable que tenemos que cambiarla cada seis meses" presagian el consumidor de los medios de comunicación social, quienes ansían la novedad como nunca antes. Como editor de la revista de moda, El Mundo de la Mujer , predijo en 1887 que el vestido de ambos sexos sería asimilado con mujeres que abrazaran el estilo masculino. Sus sombreros de ala ancha, largos mechones y terciopelos suntuosos, atraían tanta atención como sus novelas y obras de teatro, pero eran su atracción del deseo masculino, innombrable en ese momento, lo que hizo que aterrizara en la cárcel de Reading. Sin embargo, nunca perdió el estilo: "Si uno se comporta mal, uno debe comportarse mal en un vestido que lo convierta." Palabras para vivir.

4. Margaret Mitchell

En la novela de Margaret Mitchell de 1936 Gone With The Wind , el estilo de vida de Scarlett O'Hara en el Confederate South, está amenazado por la inminente libertad de los esclavos de su plantación. Pero nuestras simpatías se encuentran con esta pobre niña rica, cuando se ve obligada a aplastar sus escasos recursos y conjurar un vestido de ... cortinas. ¿De qué otra manera enredará a su héroe, y el dinero que trae consigo? ¿Quién no ha retrocedido lejos de su armario en una noche de sábado y deseó que tal inspiración estuviera a mano? Cuando ella se vuelve hacia su sirviente y le dice: "Váyase al ático y consiga mi caja de patrones. Mamá ... voy a tener un vestido nuevo", podríamos cerrarnos a su sentido de demanda, pero en estos tiempos de moda rápida, no podemos criticar su creatividad y hambre.

3. Bret Easton Ellis

Este pasaje del bestseller de Bret Easton Ellis, American Psycho , que gira en torno a una discusión de la banda U2 entre el narrador, el adulto típico y promedio vestido de asesino en serie, y una cita, nos invita a reflexionar sobre la apasionada relación de el yuppie de los años 80, con la moda italiana:

“ "El lleva Armani", grita, señalando al bajista. "Eso no es Armani", le grito. “- Es Emporio.” "No," grita ella. “Armani. Los grises están demasiado apagados y los taupes y las marinas también ... Las solapas con alas definidas, los cuadros sutiles, los lunares y las rayas son Armani, no Emporio.” Grito, extremadamente irritada porque ella no sepa esto, no puede diferenciar, coloco ambas manos cubriendo ambas orejas. Hay una diferencia.”

Bueno, ella esta claramente informada. Imagina no saber diferenciar en la línea difusa entre Armani y Emporio.

La moda sacada de los libros: Las más grandes musas de la literatura clásica

Imagen: Audrey Hepburn en Breakfast at Tiffany's. Captura de pantalla del trailer

2. Truman Capote

La novela de Truman Capote en 1958 Desayuno en Tiffany’s lanzó a la querida Holly Golightly en el mundo de la moda. Aunque la industria pudiera creer que ella era el producto del taller de Hubert de Givenchy, el diseñador encargado de equipar a la actriz Audrey Hepburn para la versión cinematográfica, su trabajo ya estaba más o menos hecho, como podemos ver por las líneas de Capote:

"Era una tarde cálida, casi verano, y llevaba un delgado vestido negro, sandalias negras, un collar de perlas. A pesar de su elegante delgadez, tenía salud con aires de solo cereal para el desayuno, una limpieza de jabón y limón, un rugido rosado oscurecido en las mejillas ". El encanto urbano y nocturno de Golightly ha sido una referencia para los diseñadores desde entonces y ha consolidado nuestro apego al" pequeño vestido negro ".

La moda sacada de los libros: Las más grandes musas de la literatura clásica

Imagen: Miss Havisham: Wikimedia Por Harry Furniss de la edición de la biblioteca de Great Expectations, creada el 31 de diciembre de 1909.

1. Charles Dickens

El último "matrimonio" de la moda y la ficción nos lleva de nuevo a donde empezamos: Moda = decadencia = muerte. Me refiero a la gran dama de los clásicos victorianos, el momento fantasmagórico; Amarga, esquelética y encerrada en su habitación junto a su torta de bodas podrida, la señorita Havisham de Charles Dickens de Great Expectations . Los pasajes que la describen en llamas representan posiblemente la imagen más visualmente emocionante para penetrar en la mente de muchas niñas impresionables, ciertamente más poderosas que cualquier otro ejemplo moderno de efectos especiales de Hollywood, pero son las palabras usadas para describir el primer encuentro de Pip con ella, que han inspirado a diseñadores por décadas. Es fácil ver por qué:

"Estaba vestida con materiales ricos - satines, encajes y sedas - todo de blanco. Sus zapatos eran blancos. Y tenía un largo velo blanco que colgaba de su cabello, y tenía flores de novia en el pelo, pero tenía el pelo blanco. Algunas joyas brillantes brillaban en su cuello y en sus manos, y algunas otras joyas brillaban sobre la mesa. Vestidos, menos espléndidos que el vestido que llevaba, y los troncos medio llenos estaban dispersos. No había terminado de vestirse, puesto que no llevaba más que un zapato; el otro estaba sobre la mesa, cerca de su mano; su velo estaba medio arreglado, su reloj y su cadena no estaban puestos y un poco de encaje para su pecho yacía con esas baratijas Y con su pañuelo, y guantes, y algunas flores, y un libro de oraciones, todos confusamente amontonados alrededor del espejo.

No fue en los primeros momentos que vi todas estas cosas, aunque vi más de ellas en los primeros momentos que se podría suponer. Pero, vi que todo lo que en mi opinión debía ser blanco, había sido blanco hacía mucho tiempo, y había perdido su brillo, y estaba descolorido y amarillo. Vi que la novia dentro del vestido de novia se había marchitado como el vestido, y como las flores, y no había brillo más que el brillo de sus ojos hundidos. Vi que el vestido había sido puesto sobre la figura redondeada de una mujer joven, y que la figura sobre la que ahora colgaba suelta se había encogido hasta la piel y los huesos.”

Imagen de cabecera de Wikimedia Oscar Wilde: Fotógrafo desconocido, celebrado en British Library, 1875-1905 y Alexander McQueen Menswear Fall 2017

Por la editora invitada: Jackie Mallon, que está en la facultad de enseñanza de varios programas de moda de Nueva York y es el autor de Silk for the Feed Dogs, una novela ambientada en la industria de la moda internacional.

Susana M. Vidal: “Frida Kahlo entendió la moda como el arte de ser”

ENTREVISTA “¿Por qué hoy está más viva que antes de morir?” Esta es la pregunta que se formuló la periodista y escritora Susana Martínez Vidal al inicio de su conferencia Frida Kahlo: La Gran Visionaria el pasado jueves en una nueva edición de IED Moda Talks, organizada por el Istituto Europeo di Design de Madrid. La autora del libro Frida Kahlo: Fashion As The Art Of Being impartió este simposio por primera vez en Europa y habló de por qué su personalidad, su actitud, su obra pictórica y, sobre todo, sus aclamados estilismos han influenciado no solo al arte, sino también a la industria de la moda.

“A pesar de ser una mujer discapacitada, medio indígena, no perteneciente al show bussiness y nacida en un país emergente ha sido capaz de colarse en la lista de las mujeres más icónicas del siglo XX, junto a Jackie Kennedy o Maria Callas”, explica Susana M. Vidal, exdirectora de la revista Elle en España. Nacida en Coyoacán —aunque de padre alemán— la artista siempre abogó por recuperar las tradiciones autóctonas mexicanas, luchó por sus ideales políticos y sociales, combatió valientemente sus 32 operaciones quirúrgicas y se convirtió en “la primera fashionista del arte”. Desde entonces, muchos han sido los diseñadores, fotógrafos, cantantes y artistas que se han inspirado en ella en sus respectivas disciplinas. Y en pleno siglo XXI, su legado sigue vivo más que nunca. Hoy, hablamos con Susana Martínez Vidal sobre esta gran mujer.

Susana M. Vidal: “Frida Kahlo entendió la moda como el arte de ser”

¿Cómo comenzó tu idilio con Frida?

En 2013, El Huffington Post me pidió escribir un artículo sobre la reciente inaugurada exposición Las Apariencias engañan. Los vestidos de Frida. Al ver sus trajes expuestos, empecé a tener flash backs en mi cabeza y recordé la cantidad de veces que había visto desfilar a Frida en mis más de 25 años de pasarelas internacionales. En el artículo no pude contar con las imágenes que lo demostraran debido a los derechos de autor y lo tuve que transmitir con mis palabras, pero dije “algún día un libro contará la verdadera influencia de Frida Kahlo en el mundo de la moda”. Fue como un reto que me lancé a mí misma para atreverme a dar el paso.

¿Y cuándo te atreviste a dar ese paso?

Quise regalarle un libro a la directora de moda de la revista Elle , con la que había trabajado durante mucho tiempo. Después de asistir a la exposición y escribir el artículo en El Huffington Post, veía que los libros sobre Frida Kahlo eran muy antiguos y no encontraba nada que me gustara. Muchas obras se centraban más en la artista, pero no en ella como mujer. Además, durante varios meses mi artículo fue el segundo más leído en la web, y fue como una señal de que tenía que lanzarme a escribir el libro. En el artículo escribí sin fotos porque no podía utilizarlas y me dije “yo tengo que contarlo bien documentado, investigado, con la parte psicológica de a qué se debe su influencia hoy en día”.

Susana M. Vidal: “Frida Kahlo entendió la moda como el arte de ser”

¿Cómo describirías a Frida Kahlo?

Contradictoria y coherente, liberal y libertina, convulsa y coqueta, feminista y femenina, revolucionaria y familiar, amante esposa y adúltera irrefrenable, indígena y mestiza, devota del comunismo y atea declarada, madre frustrada y suicida recurrente, bisexual, alcohólica, discapacitada, mártir… y sobre todo artista universal.

¿Y en una frase?

Como dijo la Tate Modern, Frida es la artista femenina más famosa de la historia. Aunque también me gusta la frase que da título al libro. La mujer que entendió la moda como el arte de ser, no como el esfuerzo de aparentar.

En la conferencia comentabas 20 lecciones de moda que nos dejó Frida Kahlo, como por ejemplo “más es mejor”, “la belleza proviene del carácter” o “los defectos pueden ser bellos”. ¿Con cuál te quedas?

La verdad es que me quedaría con dos: “La feminidad y el feminismo son compatibles” y “La actitud es el principal accesorio de estilo”. Uno por su actualidad y otro por su relevancia. La antigua diseñadora de Valentino, Maria Grazia Chiuri, pasaba al frente de la casa Dior y lo hacía con una camiseta con la frase “We should all be feminists”, una creación que se ha convertido en un hit de ventas y que hasta Carlota Casiraghi la lleva. Nos encontramos en un momento en el que por fin la feminidad y el feminismo son compatibles, y tiene mucho que ver con Frida. Ella era muy reivindicativa, pero a su vez se arreglaba muchísimo. Y la otra lección —“La actitud es el principal accesorio de estilo”— me gusta por su contenido sencillo, pero relevante. Hija y nieta de fotógrafos, se sentía poderosa frente a un objetivo, posó como una modelo y reflejó la actitud desafiante que vemos en las revistas de moda. La actitud es el mejor complemento, es más importante que la marca, el dinero o incluso que lo que llevas puesto.

Susana M. Vidal: “Frida Kahlo entendió la moda como el arte de ser”

¿Cuáles son los diseñadores que más se han visto influenciados por Frida?

Uno de los diseñadores que de manera más recurrente se ha inspirado en ella es Jean Paul Gaultier con sus corsés, y creo que lo seguirá haciendo porque hace poco estuvo en México. No obstante, Dolce & Gabbana, Valentino, Moschino, Alexander McQueen o Chanel —con sus cejas de efecto cristalizado en su desfile Otoño-Invierno 2012/2013— también. Actualmente existe un uso muy comercial de Frida. Es la llamada “fridomania”, pero la moda no es eso. La moda ha buceado tanto en su universo, que solo la gente que conoce el trabajo de la artista puede desvelar el homenaje. Es muy sutil.

¿Existe alguna Frida Kahlo hoy en día?

La verdad es que no encuentro muchos ejemplos, y mira que lo he intentado. Madonna sería una de ellas, ya que es una de sus mayores seguidores. De hecho, se estrenó en Instagram con una imagen de Frida, donde escribe: “mi artista favorita”. La verdad es que su filosofía le ha condicionado mucho. Ella ha seguido fielmente el lema “voy a hacer de mi vida lo que yo quiera”. Físicamente se ha esculpido a sí misma y se ha convertido en la persona excepcional que es ahora. Y en España podríamos pensar en Rosi de Palma, pues, como Frida, ha convertido su peculiaridad en su imagen de marca y ha sabido fomentar sus defectos. Aunque por ejemplo, Carine Roitfeld comenta que sus cejas son un homenaje a Frida Khalo.

Susana M. Vidal: “Frida Kahlo entendió la moda como el arte de ser”

¿Y por qué no hay más ejemplos?

Aunque siempre va a haber gente que crea en la rareza y la individualidad, normalmente se sigue apostando por modelos estéticos muy estáticos.

¿En México puedes llegar a ver su herencia estilística?

México es un país muy poderoso y a la vez muy pobre, hay una brecha social increíblemente fuerte. Hay una parte de gente de apariencia caucásica y otra gente más indígena o mestiza, pero no reflejan la herencia de Kahlo a la hora de vestir. Quizás puedes ver su gusto por la tradición en sitios como Oaxaca o en un museo, pero no existe un street style inspirado en ella. Puede que el mejor ejemplo de haber sabido renovar el estilo de Frida sea Danié Gómez-Ortigoza, Corresponsal en Miami de Glamour México y Latinoamérica, con sus trenzas con pañuelos. La llaman la “Floridian Frida”. No copia su estilo, pero sabe capturarlo y cada día adquiere un guiño diferente de ella.

Susana M. Vidal: “Frida Kahlo entendió la moda como el arte de ser”

¿Cuál ha sido la mejor experiencia que te ha dejado Frida Kahlo: Fashion As The Art Of Being?

En el periodo de investigación del libro, quise contactar con Jean Paul Gaultier para incluir alguna cita, ya que es uno de los diseñadores que más se ha inspirado en Frida Kahlo. Durante meses intenté hablar con él, pero no hubo suerte. Un día, cuando iba paseando por la orilla de la playa de Tulum (Quintana Roo, México) con mi marido, me encontré con él. Iba con su pareja en bañador, pero tuve que abordarlo y hablarle del proyecto. Era ahora o nunca. Ya nos conocíamos por un premio que le entregamos cuando trabajaba en Elle y le encantó la idea del libro. Hay declaraciones gracias a este encuentro fortuito y mágico, que solo puede ocurrir en lugar como México.

Fotos: Alejandra López-Zaballa y Assouline

La moda tiene un gran apetito: marcas y grupos que se aventuran en la cocina

CDMX – Para muchos, la moda es un arte, una manera de expresarse con los demás y un canal de comunicación con el mundo, el reflejo de quienes somos, la muestra de nuestros gustos y estilo; así que, ¿esto que podría tener en común con la gastronomía? Pues para los ejecutivos de la moda y diseñadores… mucho.

En los últimos años hemos visto que el mundo de la moda se ha adentrado al mundo de la gastronomía para crear experiencias completas a sus consumidores. Ahora, no solo estarás comprando un producto de la más reciente colección de tu marca favorita, también lo estarás acompañando con un latte caliente con leche desnatada… o un pedazo de pastel de chocolate… o, para aquellos pendientes de su figura, una ensalada de frutos rojos.

La moda tiene un gran apetito: marcas y grupos que se aventuran en la cocina

¿Necesitas un descanso en tu día de compras?

Marcas y grupos de moda, como la española Bimba y Lola, o el estadounidense, Ralph Lauren, te podrán ofrecer algo más, un llamado: valor agregado. El pionero de esta tendencia ha sido Giorgio Armani, quien desde hace muchos años cuenta con el concepto Giorgio Armani Café el cual se encuentra en diferentes ciudades y capitales de moda el mundo. Dentro de éste, puedes encontrar desde un simple café con leche hasta una cena completa con valor de 250 euros aproximadamente. Sin duda una cena con mucho estilo.

Otro de los pioneros de este movimiento, es el grupo estadounidense Ralph Lauren, el cual abrió su primer restaurante en 1999 en la ciudad de Chicago. Al entrar por las grandes puertas de madera de sus restaurantes, los consumidores no pueden evitar sentirse en una tienda de la marca; grandes paredes de madera adornan el restaurante que se encuentra lleno de mesas redondas y grandes; la decoración incluye las características significativas de la marca: artículos de equitación, grandes sofás de piel café y pisos laminados. En el menú se puede encontrar una variedad de la clásica cocina americana.

¿Sin ganas de salir pero con antojo de algo glamuroso? El dúo predilecto español, las fundadoras de Bimba y Lola, María y Uxía Domínguez han encontrado una manera diferente de adentrarse al mundo de la gastronomía, su acercamiento es mucho más sencillo y es, en definitiva, mucho más moderno. Petra Mora es un sitio de e-commerce en España que se especializa en la repartición de comida gourmet a tu casa, o como en sitio lo dice: en tu casa… o en la que tú quieras.

Entre otros de los grupos de moda que se han inclinado por el mundo de la comida, se encuentran Chanel, Hermès, Bulgari y Gucci, con su famoso Café Gucci. De igual manera, recientemente el gigante de moda rápida, H&M, se unió al grupo de los aventureros en la gstronomia al abrir su primer restaurante de cómida saludable dentro de su megastore en Barcelona.

Sin duda el estilo y el buen gusto se expande a cualquier frontera, Ahora no sólo podremos adquirir nuestros productos favoritos dentro de las tiendas, también podremos comer dentro de ellas.

Fotos: Ralph Lauren

CDMX - Los aficionados del couturier español, Cristóbal Balenciaga (1895-1972) y de sus diseños asombrosos tienen una nueva razón para regocijarse con su trabajo, con una nueva retrospectiva titulada “Balenciaga es el Nuevo Negro”, la cual abre sus puertas al público hoy en París, Francia. Situado en el Museo Bourdelle, la nueva exposición se centra en las prendas negras creadas por Balenciaga a lo largo de su carrera en París, desde 1937 hasta 1968. Se exhibirán cientos de diseños de los archivos de Balenciaga, la casa de moda de 100 años de antigüedad, que van desde vestidos de crepe drapeados hasta trajes perfectamente adaptados. FashionUnited te comparte algunas imágenes de la exposición a continuación.

Un vistazo: La nueva exposición de Balenciaga “Balenciaga es el nuevo negro”Un vistazo: La nueva exposición de Balenciaga “Balenciaga es el nuevo negro”Un vistazo: La nueva exposición de Balenciaga “Balenciaga es el nuevo negro”Un vistazo: La nueva exposición de Balenciaga “Balenciaga es el nuevo negro”Un vistazo: La nueva exposición de Balenciaga “Balenciaga es el nuevo negro”Un vistazo: La nueva exposición de Balenciaga “Balenciaga es el nuevo negro”Un vistazo: La nueva exposición de Balenciaga “Balenciaga es el nuevo negro”Un vistazo: La nueva exposición de Balenciaga “Balenciaga es el nuevo negro”Un vistazo: La nueva exposición de Balenciaga “Balenciaga es el nuevo negro”Un vistazo: La nueva exposición de Balenciaga “Balenciaga es el nuevo negro”Un vistazo: La nueva exposición de Balenciaga “Balenciaga es el nuevo negro”Un vistazo: La nueva exposición de Balenciaga “Balenciaga es el nuevo negro”

Balenciaga es el Nuevo Negro está abierto del 8 de marzo al 16 de julio de 2017 en el Musée Bourdelle de París. Sin embargo, no es la única exposición de Balenciaga que se inaugurará este año, ya que el Victoria & Albert de Londres abrirá otra exposición sobre Balenciaga a finales de este año.

Fotos: Balenciaga es el Nuevo Negro ©Pierre Antoine.

Traducido y editado por Gabriela Maldonado

Veinte años después de la muerte trágica de Lady Diana, una exposición en Londres muestra como la princesa de Gales sacudió los códigos indumentarios de la familia real británica y ascendió a símbolo de la moda.

De los atuendos sencillos de sus primeras apariciones en la prensa, a sus grandes vestidos de noche, la exposición "Diana: su vida a través de la moda", que abre el público este viernes, retrata la evolución del estilo de la princesa de Gales y la afirmación de su personalidad. "Ganó confianza a lo largo de su vida, asumiendo más y más el control de la manera en que se la representaba, comunicándose inteligentemente a través de sus vestidos", explicó Eleri Lynn, comisaria de la exposición en el palacio de Kensington, donde vivió 15 años.

Decidida a asumir plenamente su feminidad, la que fue una de las mujeres más fotografiadas del mundo modernizó el estilo de la Casa Real. Entre las prendas más celebradas, está el vestido largo de terciopelo azul oscuro de Victor Edelstein que llevó a una cena en la Casa Blanca ofrecida por el presidente Ronald Reagan en 1985, con el que bailó con el actor John Travolta al ritmo de la canción "You Should be Dancing".

Apodado "Travolta", el vestido se vendió en subasta por 250.000 libras (297.000 euros, 311.000 dólares) hace 3 años. Otra prenda reseñable es el vestido de seda que lleva en cenas privadas en el palacio de Buckingham en los años 1980, y en el que se pueden apreciar unas marcas de dedos pequeños de uno de sus hijos, Guillermo o Enrique.

La exposición sirve asimismo para constatar como la esposa del príncipe Carlos, una de las mujeres más fotografiadas de la historia, usó su indumentaria con fines diplomáticos. El "vestido del halcón dorado" es un ejemplo. Diana llevó esta prenda de la diseñadora Catherine Walker en una visita a Arabia Saudí en 1986. El vestido de seda color crema llevaba unos halcones dorados bordados, y este pájaro es un símbolo nacional saudita.

Pero fue la ruptura de los códigos reales para entregarse a un estilo más funcional lo que la permitió pasar de "princesa de Gales" a "princesa del pueblo", como la bautizó tras su muerte el entonces primer ministro Tony Blair. Diana reunió un "vestuario de trabajo" más informal, compuesto de trajes-chaqueta de Catherine Walker y otras prendas de sastrería con los que era frecuente verla en sus proyectos caritativos.

Estos trajes estaban diseñados para transmitir accesibilidad en actos de beneficencia, como sus reuniones con personas seropositivas o sus visitas a los niños en el hospital. Después de su separación del príncipe Carlos en 1992, Diana optó por la osadía y los vestidos más cortos y ceñidos, como el que lució en 1997 en una subasta de caridad, y que integra también la muestra.

La exposición se extiende del palacio a sus jardines, donde sus hijos anunciaron su intención de colocar una estatua de su madre, para conmemorar el 20º aniversario de su muerte, el 31 de agosto de 1997 en un accidente en la carretera bajo el puente de Alma de París, cuando era perseguida por paparazzi. (AFP)